El vuelo del globo rojo es una película de drama dirigida por Hou Hsiao-Hsien, El vuelo del globo rojo cuenta con el resparto de actores: Juliette Binoche, Simon Iteanu, Hippolyte Girardot, Song Fang, Louise Margolin, Anna Sigalevitch. La película trata sobre Suzanne, la cual es una madre soltera que tiene que sacar tiempo para trabajar y cuidar de su hijo Simon, de siete años, Suzane recorre las calles de París poniendo voz a los espectáculos de marionetas que ella misma escribe, ella decide contratar como niñera a Song Fang, una estudiante taiwanesa.

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Le ballon rouge (francés para: El globo rojo) es un cortometraje francés del año 1956 dirigido por el cineasta Albert Lamorisse.

El corto, de 34 minutos, muestra las aventuras de un niño, el cual un día, encuentra un globo rojo que había quedado atascado en una farola del barrio de Ménilmontant, en París. El film ganó numerosos premios, entre ellos el Oscar a mejor guión original y la Palma de oro para cortos en el festival de Cannes

http://thepiratebay.org/torrent/3567395/Le_Ballon_Rouge_-_Albert_Lamorisse_(1956)_avi

I’m Here, su último cortometraje disponible online, es un ejemplo destacado de cómo los efectos especiales y los avances tecnológicos deben estar al servicio del relato, potenciando el discurso y colaborando con la narración, no estando supeditada ésta a la parafernalia 3D de los avatares sin alma que se proyectan en la actualidad. La cinta de Jonze nos presenta a Francesca y Sheldon, una pareja de robots y el descubrimiento del amor por parte de ambos. I’m Here es un cortometraje de amor y música o de amor hecho música. Una entrañable historia que, como las de Pixar, obliga a resetear nuestro corazón y formatear nuestro cerebro.

Jonze no cae en el simplismo o las buenas intenciones. No se ampara en los clichés visuales o en lo autoreferencial (ojalá algún día recuperemos a Gondry). El director de la genial Where the Wild Things Are constantemente renueva su visión en esa búsqueda incesante por hallar el enfoque inédito que rescata el pulso vital. Artesano meticuloso que filtra una realidad en proceso de descomposición y que la reconfigura a través de sus imágenes.

Este proyecto además demuestra que el mejor cine independiente americano (Korine, Jarmusch, Lynch, etc.) no se limita solamente a abordar la disfuncionalidad, mostrando un coctel de drogas rápidas y sexo al por mayor. En I’m Here dos seres maravillosos se encuentran y abrazan sus diferencias, se pierden en el otro dejando atrás las paranoias modernas. Viven su amor sin miedo, de cara al sol, revelando en ese preciso momento la que debería ser la esencia de la humanidad.

Enlace descarga video clip:

http://ineedfile.com/download/7371298-i-m-here-avi

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Ahora véanlo y disfruten.

“Tienes el ayer, el hoy y el mañana en la misma habitación, y hay muy poco que no puedas imaginar que ocurra” Bob Dylan

USA – 135 min – 2007 – Dolby SRD – Scope

Dirigida por TODD HAYNES

Escrita por TODD HAYNES y OREN MOVERMAN inspirada en la vida y trabajo de BOB DYLAN Con CHRISTIAN BALE CATE BLANCHETT MARCUS CARL FRANKLIN RICHARD GERE HEATH LEDGER BEN WHISHAW CHARLOTTE GAINSBOURG DAVID CROSS BRUCE GREENWOOD JULIANNE MOORE MICHELLE WILLIAMS

SINOPSIS

I’m not there es un viaje poco convencional a la vida de Bob Dylan. Seis actores retratan aDylancomounaseriedepersonas cambiantes,delopúblicoaloprivado, a lo fantástico, tejiendo un rico y colorido retrato de este icono americano. Poeta,profeta, fueradelaley, fraude,estrelladelaelectricidad,mártirdel rockand roll, cristiano renacido, siete personalidades entremezcladas, siete órganos bombeando, insuflando a la historia de una vida tan densa y vibrante como la era que inspiró.

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La trama que conserva sus esencias literarias. El cuento nació durante un viaje de los Shelley a Suiza en 1816. La hermanastra de Mary Shelley mantenía una relación amorosa con Lord Byron y éste retó al matrimonio Shelley y a su médico a que cada uno compusiera una historia de terror. Ahí nació el germen de un clásico que recoge las investigaciones de Galvani y Erasmus Darwin sobre el poder de la electricidad para revivir cuerpos ya inertes. El director asegura que no se ha limitado a plantear una obra de tesis. “También hay horror gótico, gran guiñol y bastante humor”.

El espectáculo constituye un experimento en clave épica y romántica, en torno a los límites de la naturaleza humana, el deseo de libertad del hombre y su ansia secreta de emular a los dioses y penetrar los arcanos insondables de la vida y de la muerte.

El montaje sigue paso a paso -con la brevedad y concisión necesarias- la novela de Mary Shelley, incluyendo aquellos aspectos menos divulgados como el despertar de la poderosa inteligencia de la criatura, sus amargas reflexiones, la desesperación vital y filosófica del doctor Frankestein, y el espejo en que éste se constituye para el ambicioso marino científico, el capitán Walton. Los aspectos más legendarios del mito de Frankenstein y su monstruo, alimentados por la factoría Universal, también están presentes, de modo que la obra bascula permanentemente de la reflexión al thriller gótico, de la meditación al horror romántico.

La puesta en escena se remite en parte a la maquinaria del grand guignol, pero también al Sturm und Drang y a la desolada iconografía de los románticos ingleses y alemanes, con una permanente adscripción al regusto por la alternancia de lo monstruoso y lo sublime.

Gustavo Tambascio, director especializado tanto en teatro de texto como en ópera y teatro musical, a la par que escritor, tiene en su haber más de 90 espectáculos. Las primeras etapas de su carrera las desarrolló en distintos países del continente americano antes de establecerse en Madrid, donde ha dirigido en los principales teatros de España.

El papel del monstruo está interpetado por un actor especializado en seres extremos, Javier Botet (fue Niña Mediros en REC1 y REC2) que encarna a la criatura en sus primeros pasos -José Luis Alcedo toma el relevo cuando el monstruo se hace culto e inteligente-. Víctor Frankenstein es Raúl Peña y el doctor Waltman, la cabeza pensadora que introduce a Frankenstein en el galvanismo, es Emilio Gavira. Completan el elenco Eduardo Casanova (Fidel, en Aída), entre otros actores y el músico Álvaro Alvarado. La imagen visual del montaje la han asumido el escenógrafo Ricardo Sánchez Cuenca y el figurinista Alejandro Andújar.

Tanto el cine, como el arte contemporáneo en general, operan relaciones con su tradición. Sin Aliento, película de Jean-Luc Godard de 1960, inaugura este mecanismo de intertextualidad,   como ejercicio que consiste en hacer alusión, mediante el desarrollo del film, a sus propios referentes cinematográficos.

La película, se enmarca dentro del movimiento Nouvelle Vague, que a fines de los 60 reacciona frente a las formas tradicionales de hacer cine. De modo que,  en el intento por establecer estrategias visuales y conceptuales que permitieran desarmar la manera clásica de realización, este movimiento va a quebrantar las estructuras convencionales, desarticulando los sistemas que  constituían su lógica habitual para reconstruirla a partir de un ejercicio de autoconciencia frente a su propia historia. Ello da cuenta, sin duda, de un síntoma que atraviesa toda la Modernidad, que consiste en producir un arte donde aquello que se muestra se encuentra internamente ligado con una tesis sobre el arte mismo.

Así, pues, desde los años 60, la lucidez en torno a los rasgos que distinguen al cine clásico, pondrá en marcha el reciclaje de la realización cinematográfica, conformando un cine que fusionará los antiguos modelos, para reinventarlos constantemente. Ello,  se verá expresado en diversas transformaciones en la forma, por ejemplo, en la convergencia de  géneros, en la renovación de las estructuras narrativas  y del lenguaje en general.

Sin Aliento, es uno de los primeros referentes que exhibe tal alteración y tensión de la representación cinematográfica clásica. Observamos en la pieza, que Godard no propone temas o contenidos diferentes –se mantiene la historia policial y la historia de amor-  sino que  introduce transformaciones en la forma, tanto en sus aspectos visuales como narrativos. Godard trabaja a partir de la tradición, reinventando la visión acostumbrada del personaje y proponiendo la convergencia y reconstrucción genérica. En cuanto a la imagen, tensiona la representación por medio de la inserción del cine a pulso presentando, además, una duración insólita de las escenas y construyendo los diálogos mediante la improvisación. Asimismo, a través del desarrollo del film, Godard inserta procesos intertextuales, indagando, por medio de la imagen, relaciones visuales con la historia del cine.

Estos son algunos antecedentes que, sin duda, repercuten en la manera en cómo funciona el cine actual, en el que es posible advertir un acusado  despliegue formal, donde los recursos emergen en el relato, rompiendo con la representación.

Sin Aliento, presenta notables precedentes sobre dicha ruptura, a saber, deja al descubierto el tosco movimiento de la cámara e incorpora al personaje, que mira y habla a través de ésta, en el mundo del espectador. La cámara así traspasa el umbral de la representación al “aparecer” como recurso, ingresando materialmente en el relato, “entonces el espectador “sabe” que está ante una idea puesta en obra, es decir, que no solo asiste como espectador al curso de la historia, sino también a una reflexión sobre el arte de contar historias.” (1)

De este modo, Godard logra tensionar y poner en evidencia el simulacro, producir la revelación  del carácter artificial de la representación cinematográfica. Ello, nos permite pensar entonces en que la forma no solo opera como recurso estético, sino, que entra en relación con el sentido intertextual al que se desea apelar, lo cual constituye un mecanismo que se ha hecho pertenecer a gran parte del cine de hoy.

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Por alguna razón que no recuerdo ese día planeé ver otra película, tampoco recuerdo por que entré a esta, pero creo que tuvo que ver con que estaba afuera de la sala desorientado en esta ciudad desconocida e imposibilitado de llegar a tiempo para ver mi pre-elección, por lo tanto sin elegirlo, entre a Fados de Carlos Saura. Lo que si recuerdo y claramente es que me sentí en un estado de conexión total y me maravillé con cada uno de los temas.

Cuando intenté  de recomendar Fados por primera vez lo hice tan mal que me preguntaron  si se trataba de una seguidilla de videos clip, automáticamente dije que no, me ofendí y luego quedé pensando e hice una revisión mental sobre las diferencias entre el video clip y lo que propone Saura, ya que ambos básicamente se cruzan en un formato similar y la simplificación tendería a confundirlos.

Yo catalogaría lo de Saura en el género documental experimental o documental musical, resaltaría su valor historio-antropológico centrado en el rescate del fado y sus ramificaciones musicales y sociales, su estilización escénica presentado como un cine de cámara que con poquísimos elementos genera una sensación de intimidad, su gusto en general. Pero hay algo más que se produjo entre yo y la película. Esa mañana recuerdo estar con un nudo en la garganta mientras Mariza y Miguel Poveda con una pasión desatada interpretaban “Meu fado meu”, durante la proyección recuerdo haber sentido nostalgias de algo que nunca he vivido, de lugares en los que nunca he estado y de gente  que no conocí, recuerdo la interpretación de Camané,  Toni Garrido, Caetano Veloso entre otros. Finalmente conocí la casa do fado, una antigua cantina-restaurante donde termina este viaje. Cuando salí del cine al finalizar la película, me sentí que había llegado a Valdivia por segunda vez.

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Haneke

El pasado viernes llegó a los cines españoles “La cinta blanca”, de Michael Haneke, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, considerada mejor film del año 2009 por la crítica internacional y candidata alemana al Oscar. Culpabilidad, educación férrea, violencia contenida, autoritarismo, venganza y crueldad coinciden en este drama sobre niños de un coro de pueblo en la Alemania inmediatamente anterior a la I Guerra Mundial. En esta entrevista con Cineuropa, su guionista y realizador desvela algunas de sus claves de una película que sobre todo, “hace preguntas”.

- ¿Qué le empujó a centrar la película en un pueblo alemán en vísperas de la I Guerra Mundial?
Hacía más de diez años que trabajaba en el proyecto. Mi principal objetivo era presentar a un grupo de niños a los que se inculcan valores considerados como absolutos y cómo los interiorizan. Si se considera un principio o un ideal como algo absoluto, sea político o religioso, se convierte en inhumano y lleva al terrorismo. También había pensado en otro título para la película, “La mano derecha de Dios”, ya que los niños aplican al pie de la letra los ideales y castigan a aquellos que no los respetan al cien por cien. Por otra parte, la película no habla solo del fascismo, sería una interpretación demasiado fácil al transcurrir la historia en Alemania, sino del modelo y del problema universal del ideal pervertido.

- ¿La violencia y la culpabilidad vuelven a ser el núcleo de su trabajo?
Son los temas de todo el cine que hago. En nuestra sociedad, no puede obviarse la cuestión de la violencia. En cuanto a la culpabilidad, crecí en un ambiente judeocristiano donde siempre estaba presente. No es necesario ser malo para convertirse en culpable, simplemente forma parte de la vida cotidiana.

- La intriga plantea más preguntas que respuestas…
No hay nada que explicar. Mi principio siempre ha sido hacer preguntas, presentar situaciones muy precisas y contar una historia para que el espectador pueda buscar las respuestas por sí solo. En mi opinión, lo contrario es contraproducente. Los espectadores no son compañeros de trabajo del director. Me esfuerzo mucho para obtener este resultado. Me parece que el arte debe hacer preguntas y no avanzar respuestas que siempre me parecen sospechosas, incluso peligrosas.

- ¿Por qué ha rodado en blanco y negro?
Todas las imágenes que nos han llegado de finales del XIX y de principios del XX son en blanco y negro. Ya existían los medios de comunicación (fotografías, periódicos). Sin embargo, en lo que se refiere al siglo XVIII, por ejemplo, tenemos una percepción en color por los cuadros y las películas que hemos visto. Además, me gusta mucho el blanco y negro, y no quise dejar pasar la oportunidad. También me permitía, al igual que la utilización de un narrador, crear cierto distanciamiento. Lo importante es encontrar una representación adecuada para el tema.

- “La cinta blanca” tiene un reparto coral. ¿Cómo ha seleccionado y dirigido a todos los actores?
Para el reparto, busqué rostros que tuvieran un parecido con las fotografías de la época. Vimos a más de 7.000 niños en seis meses. Fue una tarea ardua, ya que lo más importante no es el físico, sino el talento. En cuanto a los adultos, escogí actores con los que ya había trabajado u otros cuyo trabajo conocía. En cuanto a la dirección de actores, me limito a indicarles lo que no me parece exacto. Si se elige bien al intérprete, el personaje suele funcionar dentro de la situación.

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Publicado por Plataforma Audiovisual para Plataforma Audiovisual de Chile el 3/02/2010 10:08:00 PM